Nichtsdestotrotz war er als Mitglied der ersten großen amerikanischen künstlerischen Bewegung, die von der Kunstwelt anerkannt wurde, den abstrakten Expressionisten, sehr berühmt und von der Kritik hoch gelobt. Sein Ruhm und Reichtum lasteten jedoch schwer auf ihm. Als überzeugter Sozialist glaubte Rothko, dass Kunst wirklich ein Ausdruck von Emotionen und sozialen Umständen sei, und er hatte ein tiefes Misstrauen gegenüber Geld und materiellem Reichtum.
Seine Hauptsorge war, dass die Leute seine Bilder kaufen wollten, weil sie in Mode waren, nicht weil sie von ihnen berührt wurden. Tatsächlich soll er sich geweigert haben, Leinwände an Menschen zu verkaufen, die auf die Bilder in seiner Galerie "nicht richtig reagiert" hätten. Am bekanntesten für seine Farbfeldbilder oder Multiformen, wie sie auch genannt wurden, werden Rothkos Gemälde heute für mehrere zehn Millionen Dollar verkauft und sind in Galerien und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu finden. Mark Rothko nahm sich am 25. Februar 1970 in seinem Atelier in New York das Leben. Er war 66 Jahre alt. Seine Arbeiten werden auch häufig als Kunstdrucke für seine vielen Fans reproduziert.
Einflüsse
Abgesehen von einer kurzen Studienzeit beim Kubisten Max Weber waren Rothkos künstlerische Fähigkeiten im Wesentlichen Autodidakt. Webers größter Einfluss auf den jungen Studenten war jedoch, dass er in ihm ein tiefes Verlangen weckte, Emotionen durch Malerei auszudrücken, und dies war die treibende Kraft für Marks Arbeit sein ganzes Leben lang. Während seiner prägenden Jahre als Künstler fühlte sich Rothko zu den Werken surrealistischer Künstler und Expressionisten hingezogen, die Farben wunderbar einsetzten, wie der in der Schweiz geborene Paul Klee und der französische Künstler und Fauvist Georges Rouault. Diese frühen Einflüsse blieben während seiner gesamten Karriere bei dem Künstler und er wurde ein Meister des Ausdrucks durch Farbe.
Viele von Rothkos Einflüssen waren intellektuell. Mark glaubte, dass es künstlerisch wenig über Porträts und Landschaften zu sagen gab und dass es notwendig war, neue Wege zu finden, um die wichtigen Dinge im Leben auszudrücken. die starken Gefühle, die durch die Geschehnisse in Nazi-Deutschland ausgelöst wurden, und die allgemeinen faschistischen Ansichten auf der ganzen Welt, ganz zu schweigen von der menschlichen Verfassung in der städtischen Gesellschaft während der Jahre nach der Depression in Amerika. Seine Arbeit nahm zu Beginn seiner Karriere eine sehr kindliche Form an. Der Versuch, die einfachen und grundlegendsten Gefühle des Lebens auf möglichst unkomplizierte Weise auszudrücken, führte zu seinen Scenes in the Subway-Serien, die die Monotonie des Lebens durch rhythmische Verwendung von Farben und Formen und minimale Details darstellen.
Zusätzlicher intellektueller Einfluss kam von der Arbeit des Philosophen Friedrich Nietzsche, insbesondere Die Geburt der Tragödie. Nietzsches Werk skizziert im Grunde eine Theorie, dass die Lehren des griechischen Mythos die Bausteine für ein sinnvolles Leben sind, und ohne die Führung der Tragödien ist der Mensch dazu verdammt, ein unwissendes und freudloses Dasein zu führen. Bewaffnet mit diesem klaren Auftrag begann Rothko zu versuchen, den Menschen aus seinem Gefängnis des ausdruckslosen Seins zu befreien. Durch seine Kunst arbeitete Mark daran, einen spirituellen und emotionalen Rahmen für das moderne Leben wiederherzustellen. Am interessantesten war seine Interpretation dieses hohen intellektuellen Ideals lichterfüllte Farbe in all ihren herrlichen Formen.
Früher Rothko - die realistischen Werke
Die überwiegende Mehrheit von Rothkos realistischer Arbeit entstand zu Beginn seiner Karriere, noch bevor er die Kunst als Vollzeitbeschäftigung aufgenommen hatte, und sie war größtenteils surrealistischer Natur. Stark beeinflusst von den psychologisch faszinierenden Ideen, die von surrealistischen Künstlern wie Joan Miro gefördert wurden, zeigte Slow Swirl at the Edge of the Sea (1944) Rothkos Fähigkeiten von ihrer besten Seite. In dieser emotionalen Arbeit versuchte Mark, seine Realität zu reduzieren, um nur die nackten Knochen der Erfahrung auszudrücken.
Das resultierende Gemälde hatte eine unbeschwerte Qualität, während es gleichzeitig eine klare Erzählung über die freudige Lebenserfahrung am Meer lieferte. Rothkos Stil entfernte sich sehr schnell von den realistischen Themen, als er seine Bildsprache um stimmungserweckende Farben moderner abstrakter Künstler wie Mondrian erweiterte, was alles zu dem führte, was er als einen reineren Ausdruck von Emotionen ansah; weniger Realismus, aber mehr Realität der Emotionen.
Abstrakter Expressionismus
Mitte der 1940er Jahre war Rothkos Werk völlig abstrakt. Er hatte sich der Avantgarde des neuen amerikanischen Künstlers angeschlossen – dem abstrakten Expressionisten. Diese Gruppe von hauptsächlich amerikanischen Künstlern , darunter Jackson Pollock , Barnett Newman und Willem de Kooning, hatte tatsächlich sehr wenig Gemeinsamkeiten und war weder rein abstrakt noch expressionistisch. Was sie einte, war ein rebellisches Gefühl roher Emotion, die Wahrnehmung der Unmittelbarkeit des Ausdrucks und die Tatsache, dass jeder von ihnen ein künstlerischer Freigeist war.
Entstanden aus der Wertschätzung und anschließenden Ablehnung der modernen Techniken des frühen 20. Jahrhunderts in Europa wie Surrealismus, Kubismus und Bauhaus, wurde der Begriff „abstrakter Expressionismus“ erstmals in den späten 1920er Jahren verwendet, um das Werk des russischen Malers Wassily Kandinsky zu beschreiben . Anschließend wurde es verwendet, um jeden nicht objektiven künstlerischen Stil der Zeit zu verkapseln, der Emotionen und Gefühle durch Farbe und Bewegung hervorrief.
Viele dieser Künstler, einschließlich Rothko, zogen es vor, ihre Kunst nicht zu benennen, aus Angst, den Betrachter zu beeinflussen, sondern nummerierten ihre Leinwände und vertrauten darauf, dass sie für sich selbst sprechen konnten. In Marks Fall wollte er den Betrachter ohne die Anleitung von Etiketten zu größeren Gefühlen und spiritueller Erleuchtung inspirieren.
Farbfeldmalerei
In den 1950er Jahren war Rothko zu seinem charakteristischen Stil gereift; Farbfeldmalereien. Im Gegensatz zu einigen seiner damaligen Künstlerkollegen des abstrakten Expressionismus hatte er die physischen, manchmal gewalttätigen Methoden des Farbauftrags zugunsten einer spirituelleren und kontemplativeren Form der Farbbetrachtung abgelehnt. Diese neuen Gemälde bestanden aus mehreren großen rechteckigen Farbblöcken, die größtenteils horizontal auf der Leinwand angeordnet waren. Manchmal lebhaft und zuletzt ziemlich gedämpft, vermittelten diese Gemälde menschliche Emotionen in ihrer ganzen Pracht; von Freude und Ekstase bis hin zu Trauer und Depression.
Während Rothkos Freunde anfangs dachten, dass diese Werke einen Schritt zu weit gehen könnten, als dass Kritiker und die breite Öffentlichkeit sie akzeptieren und verstehen könnten, hätten sie nicht falscher liegen können. Rothkos Werke waren so viel mehr als nur Farbe, sie waren leuchtend und organisch, und ihre weichen, verschwommenen Kanten strahlten Lebenskraft in den von ihnen beschriebenen Emotionen aus. Dieses geniale Werk hatte das Bedürfnis nach Figuren oder Naturszenen überschritten, es hatte sich durch Konventionen bewegt und direkt ins lebendige Herz des Betrachters getroffen. Mark hatte sein Medium gefunden und er drückte sich bis zu seinem Tod 1970 durch diese Methode aus. Tatsächlich ist diese völlig abstrakte Form der Malerei synonym mit dem Namen Rothko und seine Farbfeld-Leinwände sind die Werke, die heute auf Auktionen exorbitante Preise erzielen.
Wichtigste Werke
Rothkos Color Field-Werke sind sicherlich die bekanntesten seiner Leinwände, aber um die Entwicklung und das Können des Künstlers wirklich zu würdigen, ist es wichtig, seine einflussreichsten Kreationen zu untersuchen. Erstens wäre ein Überblick über Rothkos wichtigste Werke unvollständig ohne die oben erwähnten Scenes in the Subway-Serie, die seine vollendetsten realistischen Gemälde waren. Die Serie zeigt auf sehr impressionistische Weise gesichtslose Pendler, die ihren Geschäften nachgehen. Die Details, die dem Betrachter zur Verfügung stehen, sind rhythmisch und wiederholen sich, was alles das Gefühl seelenloser Monotonie fördert, das allgemein über das Leben in New York City wahrgenommen wird. Die wohl berühmteste der Serie ist Entrance to Subway (1938) und ein großartiges Beispiel dafür, wie der Künstler durch die Verwendung sehr begrenzter Details und kräftiger Farben in perfekter Kombination dennoch eine klare Erzählung vermitteln kann.
Einige der vielleicht berüchtigtsten Werke von Rothko sind The Seagram's Murals. Von dem berühmten Getränkehersteller beauftragt, Wandbilder für sein neues Restaurant in New York, The Four Seasons, zu liefern, machte sich Mark daran, vierzig Werke in Dunkelrot und Braun zu schaffen, um die Wände des repräsentativen Raums zu schmücken. Er hatte sich entschieden, seine Farbblöcke in einer uncharakteristischen vertikalen Ebene für diese Wandbilder auszurichten, um, wie er behauptete, die Abendessen unangenehmer zu machen, wenn sie ihre überteuerten Mahlzeiten aßen.
Vor der Eröffnung änderte er jedoch seine Meinung und überwältigt von seiner sozialistischen Sensibilität gab er seinen Vorschuss zurück und behauptete, er könne nicht weiterarbeiten, wo so viele widerliche Kapitalisten essen und Geld ausgeben würden. Er entfernte seine Werke und versteckte sie in seinem Atelier. Heute ist die Sammlung aufgelöst, einige befinden sich in der Londoner Tate Modern, einige im japanischen Kawamura Memorial Museum und andere in der National Art Gallery in Washington DC.
Schließlich ist es notwendig, eines von Rothkos letzten Projekten zu erwähnen, die Rothko-Kapelle. Die Rothko-Kapelle auf dem Campus der St. Thomas Catholic University in Houston, Texas, ist eines von Marks aufwendigsten Werken, da er nicht nur für die Gemälde verantwortlich war, sondern maßgeblich an der eigentlichen Gestaltung des Gebäudes beteiligt war, in dem sie untergebracht sind. Diese riesigen Werke bestehen aus vierzehn Wandgemälden, sind in Lila, Kastanienbraun und Schwarz gehalten und gelten allgemein als Darstellung der Melancholie, die Mark am Ende seines Lebens erlebte. Leider erlebte Rothko die Fertigstellung der Kapelle nicht mehr, aber sie steht heute als Zeugnis seiner Vision.
Das Erbe von Rothko
Rothko hatte für seine Arbeit nach seinem Tod besondere Vorkehrungen getroffen. Er wollte alles seiner Stiftung überlassen und eine Schule schaffen, um neue Künstler zu fördern. Die Vollstreckung seines Testaments verwandelte sich jedoch in einen Zirkus mit drei Manegen. Die Gier seiner Testamentsvollstrecker überwältigte sie und sie begannen ungestraft, seine Gemälde zu ihrem eigenen Vorteil zu verkaufen. Letztendlich entschloss sich seine junge Tochter, die Testamentsvollstrecker vor Gericht zu bringen, und schaffte es nach sieben langen Jahren, die Rechte auf sie und ihren Bruder übertragen zu lassen.
Die Testamentsvollstrecker wurden wegen Betrugs angeklagt und mussten der Familie hohe Geldstrafen zahlen. Heute ist die Rothko-Stiftung in den Händen seiner Kinder und sie haben sie nach den Wünschen ihres Vaters geführt. Es scheint, dass Rothko sogar im Tod Aufsehen erregte. Das künstlerische Erbe, das Rothko der Welt der modernen Kunst hinterlassen hat, ist tiefgreifend. Niemals zuvor oder seitdem hat ein Künstler die Regeln der Kunst so eklatant missachtet und dabei so fantastische Ergebnisse erzielt. Sein Leben und Werk haben jungen Künstlern auf der ganzen Welt Mut gemacht.
Er war nicht nur ein wegweisendes Licht für seine Zeitgenossen, sondern sein Mut hat dafür gesorgt, dass wir heute Risikofreudige haben, die ihre eigene Art von Rebellion hervorbringen, die wir bewundern und genießen können. Heute sind seine Arbeiten in Museen auf der ganzen Welt zu finden und er ist zum Aushängeschild für moderne Kunst und Meinungsfreiheit geworden.
