Rothko weigerte sich, als Farbfeldmaler bezeichnet zu werden, und bestand darauf, dass seine Kunst die Destillation menschlicher Erfahrungen, sowohl tragischer als auch ekstatischer, in ihrer reinsten Form betraf. Das Ziel des Künstlers war es, alle visuellen Hindernisse zu beseitigen, die von der zentralen Idee ablenken. Rothkos Gemälde, schwer von angedeuteten Inhalten und emotionaler Wirkung, wagten sich über die abstrakte Repräsentation hinaus, um das Drama der Menschheit zu verkörpern. In Rothkos Kompositionen werden die Rechtecke und der sie umgebende Raum als Präsenzen gleichberechtigt berücksichtigt.
Rothko achtete genau auf Höhe, Breite und Kanten seiner Formen mit weichen Kanten, ihren Abstand von den Seiten der Leinwand und ihre Wechselbeziehungen. Seine weichen Formen verschmelzen mit ihrem umgebenden Raum. Die Dominanz jeder Form hängt von ihrer Farbe ab, die Rothko gemischt und geschichtet hat, um Variationen in Leuchtkraft und Oberflächenstruktur zu erzeugen. Er trug häufig Farbe mit Lappen auf, rieb nasse Farben aneinander, sodass nur wenige Gesten sichtbar waren;
In vielen Fällen sind durchscheinende Farbunterschichten sichtbar, die eine Qualität von innerem Licht hervorrufen. Green and Tangerine on Red besteht aus zwei massiven Rechtecken, einem dunklen und einem hellen. Marjorie Phillips, die Frau von Duncan Phillips, erinnerte sich an Rothkos Behauptung, dass „der markante Mandarinenton des unteren Teils von [Grün und Mandarine auf Rot] die normale, glücklichere Seite des Lebens symbolisieren könnte; und im Verhältnis dazu das dunkle, blaugrüne, rechteckige Maß oben könnte es für die schwarzen Wolken oder Sorgen stehen, die immer über uns hängen". Diese Aussage bringt die gegensätzlichen emotionalen Zustände zum Ausdruck, die Rothkos Werke hervorrufen können. Durch zahllose groß angelegte Farbmanipulationen - vergleichbar mit dem Arrangement von Noten durch einen Komponisten - schuf er kraftvolle,
Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Rothkos Paletten in den 1960er Jahren in Dunkelheit getaucht sind, was seine negativere Stimmung widerspiegelt. Hier balanciert er eindeutig positive und negative Emotionen auf gesündere Weise aus und die beiden gegensätzlichen Töne arbeiten gut zusammen. Das Publikum scheint auch seine helleren Stücke zu bevorzugen, obwohl uns seine spätere Zeit hilft, mehr über den Mann selbst zu erfahren, da wir seine sich ändernden persönlichen Umstände und Ansichten mit der Richtung seines Oeuvres im Laufe der Zeit vergleichen können. Der relativ neutrale Ton, der für den Hintergrund dieses Gemäldes gewählt wurde, trägt auch dazu bei, dass die beiden Hauptfarbblöcke so gut wie möglich hervortreten.
