Rothko lehnte eine rein formal-ästhetische Lektüre seiner Arbeit nachdrücklich ab und beharrte darauf, dass er "...nicht an der Beziehung von Farbe oder Form oder irgendetwas anderem interessiert" sei. Vielmehr verwendete er abstrakte Mittel, um „grundlegende menschliche Emotionen – Tragödie, Ekstase, Untergang usw.“ auszudrücken, und bemühte sich ernsthaft, eine Kunst von beeindruckender Intensität für eine säkulare Welt zu schaffen. Diejenigen Betrachter, die vor seinen Gemälden zusammenbrachen und weinten, hätten „die gleiche religiöse Erfahrung gemacht, die ich hatte, als ich sie gemalt habe“. Größe war für Rothko ein enorm wichtiger Faktor: wie er erklärteIn einem Symposium von 1951 malte er in so großem Maßstab, nicht um etwas "Großartiges und Pompöses" zu produzieren, sondern "gerade weil ich intim und menschlich sein möchte". Ein kleines Bild zu malen bedeutet, sich außerhalb seiner Erfahrung zu stellen eine Erfahrung als stereoptische Ansicht oder mit einem verkleinernden Glas zu betrachten. Wie auch immer Sie das größere Bild malen, Sie befinden sich darin. Es ist nicht etwas, das Sie befehlen.
Rothko achtete auch sehr genau darauf, wie seine Arbeiten ausgestellt wurden, bis alle Kunstwerke weiterverkauft wurden, woraufhin seine Kontrolle verloren ging. Er mochte viel Platz um jedes dieser großen Gegenstände herum und behandelte sie fast wie tragbare Wandbilder. In späteren Jahren arbeitete er direkt auf Papier und übertrug das Stück dann auf eine Leinwand, damit es auf ähnliche Weise aufgehängt werden konnte. Seine größten Experimente betrafen die Palette, die er verwendete, und auch die Anzahl der festen Formen, aus denen jede Komposition bestand, und die Größe der einzelnen im Verhältnis zueinander. Man kann mit Fug und Recht sagen, dass er über einen Zeitraum von etwa drei Jahrzehnten alle möglichen Kombinationen innerhalb des Farbfeldansatzes ausschöpfte und ein riesiges Oeuvre hinterließ, das heute dünn verteilt ist zwischen einer Reihe von Privatsammlungen und öffentlichen internationalen Kunstgalerien und Museen.
In den späten 1950er und 1960er Jahren wurde Rothko beauftragt, mehrere Wandgemälde-Ensembles für bestimmte Innenräume herzustellen: das Restaurant Four Seasons im Seagram Building , New York (von denen eine Auswahl schließlich der Tate in London als "Rothko Room" geschenkt wurde). ); Holyoke Center der Harvard University; und was als Rothko-Kapelle bekannt wurdein Houston, Texas. Obwohl Number 14, 1960 ein autonomes Werk ist und nicht mit Blick auf einen bestimmten Ort konzipiert wurde, könnte dieses monumentale Stück von solch immensem Ausmaß als eines der besten wahren Wandgemälde von Rothko angesehen werden. Hier, im Sinne des Künstlers relativ nah erlebt, erweitert sich das erweiterte Format über das seitliche Blickfeld des Betrachters hinaus, sodass sich die Malerei zu öffnen und ihre Grenzen zu überschreiten scheint. Er hatte das Gefühl, dass seine Arbeit in diesem Stil Menschen anziehen, aber auch abstoßen könnte, abhängig von der genauen Anordnung seiner festen Formen.
