No.5/No.22

Dieses besondere Kunstwerk ist innerhalb der Farbfeldarbeit von Mark Rothko ziemlich einzigartig. Hier schneidet er die Rottöne mit einem stumpfen Instrument aus, das scharfe weiße Linien über die gesamte Breite des Stücks hinterlässt. Diese sehen von Natur aus rau und spontan aus, mit etwa drei abgeschlossenen Linien, die ungefähr parallel zueinander sind. Wir sehen dies nicht oft in seinem Werk, und so macht es Nr. 5/Nr. 22 zu einem faszinierenden Stück, und wir fragen uns, warum er sich für diese Technik hier entschieden hat. Obwohl wir uns bewusst sind, dass er alle möglichen Materialien und Techniken in seinen rechteckigen Formen verwendet hat, werden Sie viele davon nur bemerken, wenn Sie die Leinwände persönlich aus der Nähe betrachten.

Rothko stürzte sich Ende der 1940er Jahre kopfüber in diesen neuen Stil, und als dieses Kunstwerk entstand, begann er sich bereits eine Meinung darüber zu bilden, wie er die Dinge in den nächsten Jahren sehen würde. Zu diesem Zeitpunkt dominierten leuchtende Farben und er war sich bereits bewusst, dass riesige Leinwände unerlässlich waren, um den gewünschten Effekt zu erzielen. Besonders, dass diese Gemälde größer und breiter waren als die Betrachter, war hier entscheidend – um in die beabsichtigte Erfahrung eingehüllt zu werden, muss man nah stehen und sich von dem Kunstwerk vor ihm überwältigt fühlen. Nr. 5/Nr. 22 hatte auch zusätzliche Techniken zum Schaben, was das Interesse erhöhte, das man persönlich sehen würde.

Die Rechtecke in diesem Gemälde reichen nicht bis an die Ränder der Leinwand und scheinen knapp über der Oberfläche zu schweben. Diese Empfindung wird durch die Wirkung des chromatischen Nachbildes verstärkt. Das individuelle Anstarren jedes farbigen Segments beeinflusst die Wahrnehmung der angrenzenden Personen. Das rot-orange Zentrum des Gemäldes tönt das Gelb darüber nur mit etwas Grün. Das Gelb oben scheint das Orange mit Blau zu tönen. Trotz dieser Farbbeziehungen wollte Rothko nicht, dass seine Bilder nur wegen ihrer spektralen Qualitäten geschätzt werden, und er unternahm große Anstrengungen, um den Betrachtern zu helfen, seine Absichten in jedem einzelnen Gemälde zu verstehen. Es ist auch bekannt, dass er gesagt hat ...

"...Wer nur von Farbzusammenhängen bewegt wird, verfehlt das Wesentliche. Mir geht es darum, die großen Emotionen auszudrücken - Tragik, Ekstase, Untergang..."

Der Künstler Rothko wollte die Menschen nicht durch zu spezifische Benennungen seiner Bilder führen. Deshalb sind so viele seiner abstrakten Arbeiten entweder unbetitelt oder nummeriert. Wie Nr. 5/Nr. 22 mit diesem Namen ankam, sind wir uns nicht sicher - höchstwahrscheinlich haben verschiedene Kuratoren oder Forscher diese beiden Nummern bei der Organisation seiner Karrierewerke getrennt vergeben und im Laufe der Zeit wurden die beiden zu einem Namen zusammengeführt. Dieser Ansatz wurde von unzähligen zeitgenössischen Künstlern aus dem gleichen Grund wie dem von Rothko verwendet. Eine Ausnahme von der Regel wäre Jackson Pollock, der seine Drip Paintings oft mit nur wenigen Worten zusammenfasste, wie bei Blue Poles, Convergence und The Deep gezeigt.

Einige haben behauptet, dass Nr. 5/Nr. 22 zeigt tatsächlich die ausgestreckten Arme Jesu Christi am Kreuz. Der Künstler selbst beschrieb dieses Gemälde als gewalttätig, und vielleicht bezog er sich darauf. Obwohl er Jude war, hatte er zuvor christliche Themen in seiner Arbeit verwendet, und es ist auch möglich, dass er die jüngste Behandlung seines eigenen Volkes mit der dieser ikonischen Figur aus der Vergangenheit verglich. Wir wissen, dass in seinem abstrakten Werk viel nachgedacht wurde, weit über das hinaus, was andere zunächst gesehen haben mögen. Er konzentrierte sich oft auf einzelne menschliche Emotionen, aber dieses Gemälde unterscheidet sich in den Techniken, mit denen es hergestellt wurde, und daher ist es möglich, dass die Bedeutung dahinter auch eine andere war. Wir können uns auch an seine spätere Arbeit für die überkonfessionelle Rothko-Kapelle erinnern.