Die Kanten der Rechtecke sind nie scharf, wodurch ein optischer Bruch vermieden wird und der Blick des Betrachters auf kontemplative Weise ruhig von einem Bereich zum anderen schweifen kann. Rothko wollte nicht, dass wir beim Betrachten seiner Gemälde an ihn denken, also versuchte er, alle Spuren des Entstehungsprozesses zu beseitigen. Dazu trug er zahlreiche Schichten dünner Farbe mit einem Pinsel oder Lappen auf eine unvorbereitete Leinwand auf, die die Farben in ihren Stoff aufnahm. Die vielen dünnen Lavierungen verleihen seinen Bildern eine Leichtigkeit und Leuchtkraft, als würden sie von innen heraus leuchten. Orange und Gelb galten in den 1950er Jahren als ziemlich groß, und Rothko bat die Zuschauer, nahe zu stehen, um visuell von den Farben umgeben zu sein. Sein Ziel war es, mit Farbe in seinen Worten:
"... drücken grundlegende menschliche Gefühle aus - Tragödie, Ekstase, Untergang. Die Menschen, die vor meinen Bildern weinen, haben die gleiche religiöse Erfahrung, die ich hatte, als ich sie malte. Und wenn Sie, wie Sie sagen, nur von ihren Farbbeziehungen berührt werden , dann verfehlst du den Punkt..."
Viele von Rothkos Gemälden wären über zwei Meter hoch und breit genug, um den Betrachter im Wesentlichen zu überwältigen, der sich schließlich als Teil des Stücks fühlen würde, wenn er lange genug den Blick behalten würde. Er beabsichtigte nicht, diese Stücke nur flüchtig zu betrachten, sondern einige Zeit zu betrachten, bis man einen Teil davon fühlen konnte. Trotzdem verstand Rothko, dass niemand seine Arbeit jemals so gut verstehen würde wie er selbst, aber er hoffte, dass die Grundideen menschlicher Emotionen durch seine Verwendung von Farben und abstrakten Formen verstanden würden. Der Künstler änderte im Laufe seiner Karriere seine Farbschemata, um unterschiedliche Stimmungen widerzuspiegeln, wobei frühere helle Farbschemata später durch Dunkelheit ersetzt wurden, beispielsweise mit Untitled, Black on Grey aus dem Jahr 1970 - dem Jahr seines Todes.
Glücklicherweise sind seine positiveren Farben über einen längeren Zeitraum seiner Karriere zu finden, und diese sind bei Anhängern seiner Arbeit tendenziell beliebter. Nur wenige werden zum Beispiel Abzüge seiner schwarzen Gemälde bestellen, wo Gegenstände wie das hier abgebildete sowie orange, rote, gelbe und weiße Zentrum weiterhin besonders beliebt sind. Rot war eine Farbe, deren Bedeutung Rothko ihm mehrmals erklärte, und so ist es nicht verwunderlich, dass er diese warmen Kombinationen von Zeit zu Zeit verwendete. In unserem Beispiel hier, Orange und Gelb, platzierte er zwei klare Farbrechtecke über einer orangefarbenen Waschung, bevor er dann verschwommene Schichten um die Formen herum anlegte, um die jeweiligen Formen aufzulockern. Dadurch fühlten sich die Formen flexibler an.
In der Zeit, in der Rothko als Künstler seinen Höhepunkt erreichte, war New York vielleicht der zentrale Ort für globale Kunst. Zusammen mit anderen Mitgliedern der Farbfeldbewegung hat er dazu beigetragen, dies zu gestalten. Später sah man auch die Arbeiten von Künstlern wie Basquiat , die die aufregenden zeitgenössischen Stile weiterführten, die nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs in den Vereinigten Staaten auftauchten. Die Nation wurde auch durch einen Zustrom von Einwanderern aus verschiedenen Teilen der Welt unterstützt, die einen ständigen Strom neuer Ideen und Einflüsse einbrachten. Rothko selbst wurde in Lettland geboren und viele hatten bereits den Erfolg von Künstlern wie Kandinsky gesehender die Reise nach Westen gemacht hatte. Wir können natürlich auch Warhol in diese Liste aufnehmen. Dies war ein wichtiger Moment in der westlichen Kunst, da Europa seit dem Mittelalter dominiert hatte, und es war nicht an der Zeit, dass Amerika nicht nur zuschaute und lernte, sondern auch tatsächlich die Führung übernahm.
Orange and Yellow (Orange und Gelb) von 1956 befindet sich heute in der Sammlung der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, NY, USA. Die Arbeit des Künstlers innerhalb der Farbfeldbewegung hatte in den 1940er Jahren begonnen und so hatte er bis Mitte der 1950er Jahre einige Jahre damit verbracht, diesen Ansatz zu entwickeln. Er fügte mehrere Schichten Öl hinzu, um seiner Arbeit eine schöne Leuchtkraft zu verleihen, und ermutigte die Besucher seines Ateliers immer, nahe an seiner Arbeit zu stehen, damit sie ihre Emotionen übernehmen konnte. Er hatte nicht immer in diesem abstrakten Stil gearbeitet, aber er hatte nun seine künstlerische Berufung gefunden und würde diesen Weg für den Rest seiner Karriere fortsetzen. Als er in die 1970er Jahre kam, wandte er sich von der positiven Denkweise ab und konzentrierte sich in seiner Arbeit auf negative Emotionen.
Die Albright-Knox Art Gallery zeigt eine schön ausgewogene Auswahl an Originalkunstwerken. Während sie die zeitgenössische Kunstszene nach den 1940er Jahren mit Künstlern wie Rothko abdecken, haben sie auch eine Menge Berichterstattung über Bewegungen davor und hinterlassen einen umfassenden Überblick über die europäische und amerikanische Kunst der letzten zwei Jahrhunderte. Zu den Personen, die von besonderem Interesse sein könnten, gehören Persönlichkeiten wie Paul Gauguin , Vincent van Gogh, Jackson Pollock und Piet Mondrian. Es gibt auch eine gute Anzahl impressionistischer Kunstwerke, die hier enthalten sind. Zeitgenössische Kunst wird in den USA besonders gut bedient, und der offensichtlichste Grund dafür wäre, dass viele der großen Künstler nach dem Zweiten Weltkrieg aus diesem besonderen Land stammten, was ein konstantes lokales Interesse an solchen Stilen gewährleistet.
