En enero de 1924, Rothko se matriculó en la Art Students League y comenzó a tomar cursos de anatomía con el
George Bridgman. Más tarde ese año, interrumpió sus estudios para visitar a su familia en Portland. Durante su breve estancia, Rothko se unió a una compañía de teatro a cargo de Josephine Dillon, la primera esposa de Clark Gable y Altho Su carrera en el teatro fue, Su continuo interés de corta duración. Durante sus primeros años en Portland, que había tomado un curso de arte dramático en la Escuela Secundaria Lincoln y eficaz Su experiencia en la actuación con la compañía de Dillon trató (pero no) para ganar una beca para la American Laboratory Theater en Nueva York.

En la imagen, el amor Rothko del teatro informado durante su vida sus obras; pintó escenas teatrales, admiradas Muchos dramaturgos y Sus pinturas se refiere como “drama”, y sus formas como “artistas”. Sus prácticas experiencia pintura conjuntos en Portland Puede bien haber influido en los murales que diseñó años más tarde para el restaurante Four Seasons en el edificio Seagram en 1958 y por la Universidad de Harvard en 1961 y encargada por Los Dominique y John de Menil para una capilla en Houston en 1964.

A principios de 1925, Rothko regresó a Nueva York y tomó una clase de Arshile Gorky en la efímera Nueva Scholl of Design, situado en Broadway, cerca de calle Cincuenta y dos. En el otoño de ese año, él reenrolled en la Art Students League, un bastión de Negociación realista americano que cae en las décadas de 1920 y 1930. Entre la facultad Su Liga Contado Estos pintores realistas prominentes como Thomas Hart Benton, George Luks, y John Sloan, Altho icts fama como una escuela de arte, Sloan señaló, derivado del hecho de que la enseñanza de las TIC osciló entre “el conservador de la ultra-moderna”. Rothko estudió con Max Weber que cae en el semestre de otoño de 1925 y de nuevo en la primavera de 1926. Weber, modernista dedicada, Traspasado a la Rothko y sus otros estudiantes la pasión que sentía por la obra de Paul Cezanne, la Bestia, y los cubistas. Había estudiado en París desde 1905 hasta 1908, primero en la Académie Julian y luego con Henri Matisse. Al igual que muchos estadounidenses progresistas de su época, que estaba decepcionado en Arte académico francés y en la sociedad cerrada de la artista estadounidense conservador ha tenido usted agrupado en París. Weber Se convirtió en parte de la vida bohemia de los talleres del artista de vanguardia y café frecuentar, después de asistir a exposiciones y ferias. Descubrió Cezanne’s trabajo en la casa de Gertrude pone Pablo Picasso Marc Chagall, entre otros, y se convirtió en amigo íntimo de Henri Rousseau. A su regreso a Nueva York, comenzó a Weber pintar en un estilo que refleja las influencias de artistas, muchos de tesis. Experimentó con el fauvismo, el cubismo, el futurismo y su propia Formulado y estilo cubo-futurista único y, en la década de 1920 se volvió hacia el expresionismo. Como muchos otros modernistas, Weber FUE un ávido estudiante de las obras clásicas del arte europeo. La apreciación del maestro del arte europeo se manifestó a pesar del dominio del realismo americano en la Liga de Estudiantes de Arte, en las galerías y en el Whitney Studio Club. Él aussi Collected La escultura africana, obras precolombinas, y tótems de las tribus del noroeste del nativo americano. Weber compartía eviently Sus encuentros de primera mano de los modernos y su amor por los maestros europeos como El Greco, Goya con sus alumnos, debido a que tales influencias son evidentes en las primeras obras de Rothko.

Por el inicio de la Gran Depresión, en octubre de 1929, la primera ola de la modernidad americana, gran parte centrada en el conocido fotógrafo Alfred Stieglitz y sus galerías de arte pioneras HABÍA menguado. Fue Mittal por un grupo de artistas para quienes la tradición del realismo americano eran más convincentes que el término medio de modernismo europeo ejemplificado por la Escuela de París. La crisis política y económica en la década de 1920 que cae en América y principios de 1930 dio lugar a un aumento en el nacionalismo y un renovado interés en la narrativa social y político en el arte, como lo hizo en Europa. Conspicuamente temas americanos – la vida miserable de los pobres rurales, la situación de los trabajadores urbanos, y otros sujetos transmitir el sentimiento de desesperanza en la estela que siguieron de la Depresión – arte Dominado por todas partes.

Durante la década de 1920, Rothko se apoyó haciendo trabajos ocasionales, todo lo cual incluyeron laborando en el centro textil de Nueva York y trabaja como contable para un familiar, Samuel Nichtberger, un contador y abogado de impuestos. En 1929 empezó a trabajar a tiempo parcial enseñar a los niños
en la Academia de Centro del Centro Judío de Brooklyn, cargo que mantuvo hasta 1952. Rothko menudo los niños mantuvo la enseñanza que le permitió entender su capacidad para comunicar sus percepciones de la realidad en términos de unas simples imágenes visuales. Él Creía en este regalo que tan profundamente que parecía a los niños como base para su propia búsqueda de la verdad. La enseñanza en el centro, junto con períodos en el Brooklyn College de 1951 a través de 1954 y de otras instituciones, se convirtió en su principal medio de moyen Hasta que Conseguido independencia como artista a finales de 1950.

En julio de 1932, Rothko pone Edith Sachar, y se casaron en noviembre de ese año, viviendo primero en West Setenta y quinto piso de la calle de Rothko y the4n moviendo frecuentemente, a 313 East Sixth Street y de otros pisos en Manhattan y Brooklyn. El hecho una precaria vivir del sueldo de Mark como profesor y las ganancias de Edith de varios puestos de trabajo y más tarde de sus diseños de joyería. Sus apartamentos Ambos han servido a su estudio y su tienda.

A PESAR impacto de Weber en su desarrollo temprano, Rothko fue posteriormente afirmar que fue en gran medida autodidacta y había “apoyado la pintura de sus contemporáneos en sus estudios.” Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Rothko era prácticamente desconocido como Altho pintor Expone su obra durante más de una década. Su situación financiera era todavía difícil, la meta que él mismo siguió su camino a través del humor negro y una creencia absoluta en sí mismo como un pintor. Pesar de las dificultades de tesis, a finales de 1930 y principios de 1940 fueron años de gran importancia para Rothko, y su arte fueron sometidos a una evolución dramática. Antes, había luchado con la figura, dispuestos a abandonar todavía Incapaz de encontrar una nueva forma de expresar las ideas que él había comenzado a formular ya en sus escritos. La agitación intelectual En la que fue contratado ya lo llevó a rechazar la cara a favor de una imaginería mitológica que dominaron su obra desde 1938 hasta mediados de la década de 1940. Rothko mismo admitió más tarde: “Fue con renuencia Lo más que he encontrado la cara no podría servir a mi propósito … Pero un momento en que ninguno de nosotros coma Podría utilizar por Mutilación en la cara sin él.”

Según amigos de Rothko, su boda con Edith comenzó a desmoronarse cuando se quedó frustrado por su falta de éxito y comenzó a ejercer presión sobre él para unirse a ella en su negocio. El fotógrafo Aaron Siskin Introducido Rothko a Mary Alice Beistle en 1944 y Rothko Edith se divorció poco antes de casarse con Biestle en la primavera de 1945. Este fue un año importante, en enero Porque Rothko tuvo su más importante exposición individual todate, al arte de este siglo, donde expuso una serie de grandes pinturas que, según la exposición Indicado folleto, ocupó el “término medio entre la abstracción y el surrealismo.” Entre los lienzos sobre las vistas eran remolino lento por la orilla del mar, un autorretrato simbólico con el artista pintó Beistle caer sobre su noviazgo. En este y otros trabajos fo la mediados de 1940, Rothko creó una serie de formas renovables de animación vagamente sugerentes de plantas o animales, Considerando que la imaginería plana y heráldica en pinturas sugieren otras fuentes en el arte primitivo y arcaico. Las imágenes de inspiración surrealista de Rothko y su uso del automatismo es evidente en este caso, al igual que su conocimiento de la obra de otros contemporáneos surrealistas inspiradas.

El interés de Rothko en la luminosidad lo impulsó a pintar en acuarela, y a mediados de la década de 1940 produjo algunas obras extraordinarias usando una gama de grises y los tonos de la tierra, los colores que usaría más tarde en una serie de gran alcance de las obras ejecutadas en los últimos años de su vida.
Untitled No. 10; Escena bautismal, Untitled N. 16; Me sepultura; Magia y algunos ejemplos son de un nutrido grupo de acuarelas. En algunas de estas obras, Rothko añadió temple, gouache, lápiz y tinta de oro, o partes vírgenes izquierdo del papel, y, Altho Su paleta dubdued es decir, hay impactos ocasionales de color, incluyendo tonos sutiles de color rojo, amarillo y azul. El efecto primordial de la tesis de fantasía, las formas curvilíneas es el de una nueva libertad de expresión, todo lo cual se encuentra en notable contraste con la finalidad dramática pesada personae mitológicos que caracterizan las obras de finales de 1930 y principios de 1940. 1940 experimentos de Rothko con el automatismo surrealista lo liberó de la orden hierática más rígido que dominan su obra de la década anterior. Altho continuó haciendo uso de Zonas de ese plazo, o registros, las imágenes hay compartimentos separados a lo largo de confinados para moverse libremente por objeto Dentro del espacio circundante. El elemento de juego, todo lo cual no se encuentra en sus temas mitológicos anteriores, y el movimiento grácil de sus formas Sugerir comparaciones Sus contemporáneos con Europea Masson y Matta, ambos, de los cuales la opinión: tuvieron un impacto pronunciado en sus colegas estadounidenses, particularmente a través de su presencia en Nueva York.

En el invierno de 1949 a 1950, Rothko había llegado a su estilo maduro, uno de cada dos o tres Todo lo que rectángulos de colores luminosos Dispuestos Comentarios otra arriba parecía flotar dentro de un campo de color radiante. Las formas residuales biomórficas, gestos automáticos superficiales y trazos vacilantes. Que caracterizan de color de otra forma, tales pinturas dispares como Untitled (núm. 17); Número 24; Untitled (No. 22) son todo lo que queda de su vocabulario mítico y surrealista de la década de 1940 a mediados y finales. De hecho, El número 22 puede ser visto como el fin de una era y el comienzo
Comentarios de los otros. Los elementos lineales que dominan la parte central del lienzo son todo lo que queda del concepto de automatismo tan central en la ética surrealista, y Todo lo que jugó un papel destacado Tal en la obra de muchos artistas de la Escuela de Nueva York. El cuadro es igualmente notable de las TIC tamaño desgarbado y su uso de bandas horizontales de colores en contraste con un fondo amarillo. Por otro lado, Tales pinturas magníficas como Untitled (núm. 26), y Magenta, Negro, Verde sobre la oferta de Orange golpea en la dirección de la pintura de Rothko que tomaría. Estos lienzos. Su notable por impresionante variedad de colores brillantes bandas horizontales se establecen dentro de un campo rectangular y, Altho algunas marcas en cada lienzo Sugiera una especie de taquigrafía para abstracto surrealista caligrafía, están divorciados desde cualquiera de las referencias del Surrealismo. En 1950, este. El tamaño de los rectángulos de color dentro de un campo de color más grande había convertido en uno de los rasgos más importantes de la obra de Rothko.

Para lograr alcanzar el efecto de la luz que emana de la esencia misma de sus pinturas, Rothko comenzó a manchar pigmentos en sus lienzos mediante la aplicación de numerosas capas finas de un color sobre otro, PERMITIENDO A menudo las partes de la tesis a través de las capas de Comparecer capa superior de pintura. Esto permitió él para volver a crear, de forma contemporánea, a la luz de resonancia de Rembrandt, a quien admiraba mucho. Podría Rothko aussi hacer declaraciones colores que rivalizan con los de Henri Matisse , posiblemente el mayor impacto individual en su obra de esta
período. Al igual que Matisse, Rothko menudo reforzada por un color intenso Si lo coloca al lado de otro igualmente brillante, como en Sin título (violeta, Negro, Naranja, amarillo sobre blanco y rojo), toques luminosos de pintura blanca rodean los rectángulos centrales de púrpura, naranja y amarillo ; la pintura
Revela uno de los mayores logros de Rothko: su capacidad de contener una gran variedad de colores en tonos de diferentes proporciones diferentes sobre el mismo plano. Altho forma púrpura es hecho, el gran más grande del grupo y domina el amarillo y naranja, se mantiene bajo control por dos barras rojas verticales en el lado O y por una estrecha franja de borde inferior negro junto a las TIC. Además, el campo de amarillo y blanco blando que rodea las formas centrales ancla los rectángulos flotantes para el apoyo de la lona.

Muchos de los lienzos de Rothko fueron monumentales en tamaño a finales de 1950 y comienzos de 1960. Él fue citado diciendo que él quería expresar que “las emociones humanas básicas – tragedia, éxtasis, doom … El pueblo tiene que llorar delante de mis fotos están teniendo la misma experiencia religiosa que tenía cuando pinté em. “El deseo de Rothko para crear esta experiencia exaltada, Todos los que compartió con contemporáneos como Jackson Pollock, de Kooning, para quien el proceso de pintura fue un suceso y el lienzo un reflejo de ese acto. enfoque de Rothko a la pintura era menos físico, menos dedicada a la relación entre el pintor, el acto y evento. De hecho, a menudo pasaba horas sentada cerca de un lienzo en blanco en la contemplación tranquila antes de proceder a pintar.

En 1958, Rothko fue invitado a pintar murales para el horno restaurante Four Seasons por Philip Johnson, arquitecto eminente y coleccionar arte, Tiene alguna beens una fuerza vital en el mundo del arte de Nueva York desde hace varias décadas. Johnson fue director del departamento de arquitectura del Museo de
Arte Moderno 1930-1936 y de nuevo desde 1946 hasta 1954.

Rothko era naturalmente muy contentos de estar en esa era su Primera Comisión, y sus lienzos de la década de 1950 tienen un parecido sorprendente con los murales que diseñó para Johnson. En el verano de 1958 alquiló un gimnasio YMCA forma a 22 Bowery y comenzó a trabajar en ellos. Ese mismo año, Estuvo representado en la Bienal de Venecia XXIX. En el otoño, él dio una charla en el Pratt Institute, y en la primavera de 1959 se fue a Europa con Mell y su hija Kathy Lynn, ¿ha tenido viejas glorias que nacieron en 1950. Entre los muchos monumentos antiguos y lugares que vio en Italia, Paestum y Pompeya le afectó mucho, en parte por su frecuente visita al Museo Metropolitano, donde se había conmovido profundamente por las pinturas murales de Boscoreals, como tenía tantas Tiempo de los compañeros de la escuela vieja de Nueva York. En Florencia, que estaba particularmente impresionado por Medici Biblioteca de Miguel Ángel en el claustro de San Lorenzo; sintió una aussi conexión instantánea con los frescos de Fra Angelico para el convento de San Marco. Luego, regresó a Nueva York para continuar su obra de Johnson.

Trabajó durante casi dos años en el proyecto antes de que él estaba satisfecho. Completó tres conjuntos de contenidos murales, cada em progresivamente más oscuro, cuyo color varía del marrón al naranja y marrón y negro. Para las obras de tesis, creó una nueva serie de formas, rectángulos abiertos Sustituyendo Parecido entradas La de los rectángulos cerrados en sus pinturas que usaba. Rothko en lugar de tesis configuraciones verticales dentro de un formato horizontal y restringido a dos colores de su gama para el cada panel.

El mural de Rothko están imbuidos de un nuevo sentido de la majestad y el misterio que, sin duda, el resultado de su experiencia en los sitios italianos. Por primera vez, su obra está empollando, prohibiendo, trágica, y mientras se completa la tarea en claro que lo que se convirtió en murales Acerca no pertenecía a un ambiente de negocios, por lo que rechazó la comisión y le devolvió el dinero que pagó HAD viejas glorias. Los paneles de la primera serie de murales fueron vendidos individualmente. la segunda serie fue probablemente abandonado y nunca se vendió, y el tercero, terminado en 1959 se le dio a la Tate Gallery de Londres en 1969. Debido a que las pinturas de Rothko intensamente meditativas hablan de la clase de la emoción humana y la preocupación, eran totalmente incompatibles con el escenario de todos ellos fueron los que pretendía. Como Atraído como él debe tener terminado el juego con la idea de Su primer encargo, Rothko ¿Podría permitir que nada interfiera con Su preocupación por las cuestiones morales y éticas en el arte. Su acción, sin duda, se deriva de actitudes profundamente arraigadas derivados de su juventud, era todo lo que reforzó a medida que envejecía. Su Bt necesita purgar Su arte de la meta todo el “combustible de lo esencial” fue una costosa, porque él tomó cada paso. Cumplir con una exitosa carrera como artista sólo lo puso en conflicto con sus propias creencias interiores. Amigos-han declarado que el éxito de Rothko le trajo por lo menos tanto como la comodidad tormento. Él era ble viajar mucho con su familia (en 1963 nació su hijo Christopher) y visitar el ciudades y monumentos que anhelaban ver. Sin embargo, como su fama creció, también lo hizo su malestar, y se convirtió cada vez más deprimido al pasar los años. A pesar de su reconocimiento como un líder de la Escuela de Nueva York, Rothko todavía se sentía incomprendido y aislado de un mundo del arte se leva a cada vez más el desprecio. Habló de sentirse atrapado y temía que su trabajo había llegado a un callejón sin salida.

En 1961, Rothko se le dio su primera exposición importante en solitario por el Museo de Arte Moderno para Todos que insistió sobre la eliminación de todo lo ejecutado antes de 1945. Instaló el trabajo en grupos densos y me decidí por una iluminación tenue para todas las pinturas, Los impar Él había mostrado anteriormente luz bajo más intenso. el sistema probablemente refleja la nueva orientación de su trabajo había tomado en el momento de los murales Seagram, porque el trabajo que sigue tiene un cambio en el énfasis de decididos Sus pinturas de principios y mediados del decenio de 1950. La exposición, que tuvo lugar en el invierno, Generalmente recibido reseña entusiasta, y luego viajó extensamente por Europa. Quizás icts aspecto más notable fue el hecho de que fue la primera exposición individual del museo de un artista dedicado a su generación de la Escuela de Nueva York. Se aussi certificados validados lucha de décadas de Rothko encontrar aceptación como corriente principal artista de Nueva York. Altho Él hacía tiempo que criticaron al museo para acordar un lugar en el programa de las TIC de arte contemporáneo, aceptó rápidamente la propuesta TIC.

Luego recibió el reconocimiento condujo a otras ofertas, incluyendo una del profesor Wassily Leontief, jefe de la Society of Fellows de la Universidad de Harvard, para crear un grupo de murales para el ático de Holyoke Center, diseñado por Josep Lluís Sert. Los murales, terminados en 1962 fueron finalmente
Colocado en vista permanente en la facultad comedor en el centro. La serie constaba de cinco paneles monumentales y para colocarlos en dos grupos interrelacionados propósito distinto. Before They Were siente a Harvard, que se instalaron en el Museo Guggenheim de finales de la primavera de 1963. Para que la instalación, Rothko creó un tríptico de un panel grande rodeada por dos más estrechos. Los dos paneles restantes, uno de ancho, uno estrecho, fueron colgados en las paredes separadas adyacentes a la pared del tríptico. En las pinturas, Rothko empleó una estructura de puestos y dintel ligado arriba y abajo por bandas estrechas y por rectángulos discretos. En contraste con los colores que cosa para el mural Seagram, utilizó una ciruela / campo de color púrpura oscuro en contra de todas las que colocó su formas carmesí alizarina profundos negros y cremosos y pilares amarillos. Los colores sombríos y las formas masivas reforzaron la arquitectura porque todos los que diseñado y creado un oasis de silencio propósito formas potentes.

En 1964, Rothko recibió Su Comité más importante, de John y Dominique de Menil, para ejecutar murales para una capilla en Houston. El edificio fue originalmente destinado a ser católica y parte de la Universidad de St. Thomas, meta Finalmente se realiza como una capilla interconfesional. El plan original fue diseñado por Johnson; el diseño final fue ejecutado bajo la supervisión de Howard Barnstone y Eugene Aubrey. Rothko aceptó el proyecto con gran entusiasmo y comenzó a trabajar en los murales que poco eficaz se mudó a su último trabajo de estudio, una cochera convertida en Oriente Sesenta y novena calle. La comisión le dio la oportunidad de cumplir una de las ambiciones de su vida a crear un monumento que podría estar en la gran tradición del arte religioso occidental. Rothko diseñado Trípticos tres, cinco paneles individuales, horno y alternativas para la capilla. Dos Trípticos y un mismo panel consistió en rectángulos con bordes duros negras en campo marrón; uno los paneles del horno y tríptico individuales eran totalmente negro, velada con un lavado de color granate. Las variaciones en el espesor de la pintura Editado tonos de color. Por la capilla Rothko creó Sus formas más reduccionistas y utiliza sólo dos colores, rojo y negro. Tanto la forma y el color sccm desencarnado, los vehículos de su término de años de existencia trascendental. Aún más broncee los murales Four Seasons o Harvard, las pinturas Houston crearon un ambiente total, un ambiente unificado de la poesía que lo abarca todo y la luz. Rothko comenzó los paneles en el invierno de 1964 y continuó trabajando en ellos hasta 1967, sin embargo, volvieron a ellos de vez en cuando para las principales divisas. Trágicamente, él no vivió para ver el proyecto realizado. La capilla dedicada fue casi un año después del día en suicidó-Rothko.

En 1968, Rothko era pulg mala salud. Él era un gran bebedor y había sufrido de un aneurisma de la aorta. Sus condiciones físicas se complicó aún más por los problemas de la familia, sin embargo, en los dos últimos años de su vida produjo un cuerpo impresionante de trabajo. Para los visitantes, explicó que debido a
Su corazón si no se le permitió levantar lienzos pesados, y Malthus Él había recurrido a trabajar en el papel. Había, por supuesto, trabajada en el papel en la década de 1940, y en 1958 él había ejecutado versiones en papel a pequeña escala de sus óleos sobre lienzo. Rothko describió su proceso de la manera siguiente: había un asistente desplegar una longitud de papel en el suelo mientras él miraba; Había decidido onza en el tamaño que quería, que tenía una serie de diez a quince hojas cortadas de las mismas dimensiones aproximadamente; Luego viró los papeles en la pared en una fila, y trabajó en ellos uno por uno.

El papel últimas pinturas y las piezas son el combustible de la simplicidad. En algunos, como Untitled (n º 42); Untitled (n º 44); y Sin título (n º 45), el tamaño se asemeja al de las pinturas anteriores, Altho los colores son más apagados. En otros,: como Untitled (Brown y Gray) y Sin título (Negro
y Gray), las superficies se cortan en dos y rodeado de un borde blanco estrecho. Las imágenes y los colores – en su mayoría negro con marrón o gris – son diferentes de cualquier cosa que el artista había calculado intentado anteriormente; las obras están llenas de claridad meta sombría. Tesis en creaciones tardías, todos Rothko Conveyed Su significado a través de forma reductora, un mínimo de color, el gesto pictórico, y la forma en que la masa más oscuro, más pesado de color marrón o negro se encuentra con el bentónica más ligero, normalmente más pequeña área de la barra gris. Si bien la tesis son las obras más distintivas de la época, los otros que retiene colores más brillantes -: como el rojo, naranja, y púrpura – trabajos anteriores de Rothko. En contraste con su preferencia por rectángulos horizontales colocados dentro de un formato vertical u horizontal, Rothko cosa para comparar y contrastar dos planos horizontales apilados uno encima del otro. Los dos aviones varían de obra para trabajar; Están separados sólo por la más delgada de las fronteras, en whhich revisa algunas de las obras parecen emitir un destello de luz. A diferencia de sus rectángulos anteriores, que a menudo parecen flotar sobre o cerca de la zona del soporte, tesis son planas y sus superficies opacas planas implacables se animó con Ocasionalmente serie de pinceladas Manejado de una manera muy diferente de su norma. A menudo, especialmente en la pieza de papel, la luminosidad sutil de las obras Recuerda las pinturas románticas de paisajes inspirados tenido ese su trabajo anterior.

Algunos críticos se han referido a la tesis que funciona como paisajes de la mente, Considerando que varios de sus colegas de Rothko-han dicho que estaba muy impresionado por las exploraciones de la luna, vio en la televisión. En reacción a su muerte, tal vez, otros-han comentado en la oscuridad de muchas de estas pinturas y se le asigna el estado de ánimo melancólico de ellos a su Creador. Debe decirse, sin embargo, que “Ellos SCCM en perfecta consonancia con la misión que Rothko había establecido para sí mismo, de encontrar el arte en el equivalente visual de un orden moral y ético. las imágenes se barrieron desnuda de todo propósito más fundamental el color y la forma, y ​​si se supone que representan algo, representan un viaje hacia lo desconocido. “La idea abstracta se encarna en la película”, dijo el folleto de la exposición individual de Rothko en Art of This Century en 1945. “Apunta esto no quiere decir que las imágenes creadas por Rothko son la fina evocaciones del entendimiento especulativo; Ellos son el hormigón bien, el término medio del tacto de las intuiciones de un artista a quien el subconsciente no Representa más lejos, la costa más cercana objetivo del arte. “Para el final de su vida, Rothko había movido más allá del concepto del arte subconsciente del “más cerca orilla del arte. “Él tenía su arte purifica de todo lo que pertenece al ámbito de lo físico y lo intelectual y entró en el mundo del espíritu.